¿Qué piezas de Bach, Stravinsky, Mozart y Beethoven viajaron al espacio a bordo de las Voyager?

De NASA – Great Images in NASA

¿Sabías que obras de los grandes compositores Bach, Stravinsky, Mozart y Beethoven forman parte del Disco de oro de las sondas espaciales Voyager lanzadas al espacio en 1977?

El Disco de Oro de las Voyager es un disco de gramófono que contiene sonidos, obras musicales y fotografías que representan la diversidad de la vida y la cultura en el planeta Tierra en una especie de cápsula del tiempo. El contenido de la grabación fue seleccionado por la NASA y por un comité presidido por Carl Sagan de la Universidad Cornell.

A continuación mostramos las siete piezas de música clásica incluidas en el disco: Sigue leyendo

¿Quiénes han sido los 10 mejores compositores del siglo XX?

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Los últimos 100 años de la Historia de la Música han sido turbulentos y fascinantes y esta semana nos preguntamos qué compositores hicieron las mayores contribuciones a la música del último siglo. BBC ha propuesto una lista de los 10 mejores compositores del s. XX, pero dejando claro que se trata de un ejercicio de subjetividad que puede provocar indignación ante algunas ausencias como podrían ser las de Elgar y Sibelius, Bartók yJanáček, Vaughan Williams, John Williams, Ravel, Xenakis, los gigantes posmodernos Peter Maxwell Davies y Harrison Birtwistle, o también Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen, Ligeti, Berio, Lutosławski, Steve Reich, John Adams o Elliot Carter y otros que seguramente vengan a vuestra mente. Recuperamos su repaso:

Arnold Schoenberg (1874-1951)

“Sería inconcebible”, dijo Schoenberg, “atacar a los héroes que hacen vuelos audaces sobre el océano o al Polo Norte, puesto que su logro es evidente para todos. Pero aunque la experiencia ha demostrado que muchos pioneros pisaron su camino [con] certeza absoluta en un momento en el que todavía se les tomaba por locos, la mayoría de la gente siempre se vuelve contra los que marchan hacia regiones desconocidas del espíritu … La nueva música nunca es bella al primer contacto”.

Schoenberg se hundió sin miedo -y a menudo muy bien- en lo desconocido, rompiendo las reglas aparentemente inquebrantables de la tonalidad occidental que había prevalecido durante siglos y alterando el curso de la música clásica para siempre.

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Igor Stravinsky (1882-1971)

La brillantez de Stravinsky tuvo un impacto sísmico en el resto del siglo. No sólo en la música clásica sino también en el jazz, el rock, la literatura modernista, la pintura e incluso el cine. Sin Stravinsky, como señala el crítico musical de The New Yorker, Alex Ross, ¿qué habría sido de los dinosaurios de Fantasía de Walt Disney? Por suerte, nunca lo necesitaremos averiguar.

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George Gershwin (1898-1937)

Gerschwin fue profeta en la era del jazz, cuya Rhapsody in Blue (1924) desestabiliizó las categorías estéticas y ofreció a los oyentes una muestra de lo que estaba por venir, y su controvertida ópera Porgy & Bess en 1935 llegó para definir una época. Pero Gershwin fue atrapado en el fuego cruzado entre “los que ven la cultura de masas como la expresión más válida de nuestro tiempo, y aquellos que lo ven como el fin de la civilización occidental”. Muchos de sus compañeros compositores fueron críticos feroces con el populismo de Gershwin. Pero un público entusiasta, sordos a tales debates meticulosos, lo escucharon a través de los innumerables cambios en gusto y modas.

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Duke Ellington (1899-1974)

Ellington fue el compositor más prolífico del siglo. Un espectacular innovador que escribió música para todo tipo de entornos, desde el salón de baile a las discotecas, salas de comedia, películas, salas de conciertos o catedrales. La esencia de su genio reside en su extraña habilidad de sintetizar elementos aparentemente dispares de música, incluyendo música de ritmo sincopado, canciones populares, el blues, y los sonidos de todo tipo, desde Tin Pan Alley a la tradición de la música europea. Siempre directamente expresivo y engañosamente simple, sus letras blues exploraron diversas formas, armonías y melodías; rompió corazones con las últimas baladas románticas; y proporcionó temas para los más grandes cantantes de jazz de la época; y, por supuesto, swing.

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Dmitri Shostakovich (1906-1975)

Perseguido por Stalin y declarado “enemigo del pueblo” en 1936, habiendo sido previamente el chico de oro de la escena de la música soviética, Shostakovich es una figura que se ha apoderado de la imaginación del público, tanto por razones políticas como musicales. Obligado a mantener a las autoridades felices con su escritura sinfónica – por lo menos hasta la muerte de Stalin – fueron sus obras más pequeñas, como sus sorprendentes quince cuartetos para cuerda, las que más destacaron. Alex Ross señaló “Shostakovich es un maestro de la manipulación del estado de ánimo”.

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John Cage (1912-1992)

Cage, de acuerdo con su colega pionero y compositor Morton Feldman, fue el primer compositor en la historia de la música “que se planteó la cuestión de manera implícita que tal vez la música podría ser una forma de arte en lugar de una forma de música”. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham.

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Benjamin Britten (1913-1976)

Musicalmente hablando, Britten era más conservador que muchos de los otros titanes del siglo, pero su influencia y visión es inestimable, sobre todo en el campo de la ópera. El emblemático Peter Grimes (1945) lo define radicalmente como un antihéroe digno de ser amado, y como un viaje musical impresionante a los rincones más oscuros de la psicología individual y grupal. La convicción de que la ópera de Britten era necesaria más allá de lujo teatros metropolitanas llevó a la aparición de la música de cámara o la ópera ‘de bolsillo’, que continúa transformando hasta la fecha esta forma de arte.

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Leonard Bernstein (1918-1990)

Bernstein fue un populista, quería compartir la música que amaba y como compositor, director, locutor, escritor y educador, trató de hacerla accesible al mayor público posible. Creció oyendo todo, sin hacer distinción entre ‘alto’ y ‘bajo’ arte, y su música evidencia   una absoluta falta de pretensiones, encontrándonos destacadas composiciones como  West Side Story (1961), Candide y Un día en Nueva York (1949). Este compositor, pianista y director de orquesta estadounidense fue el primer director de orquesta nacido en los EE.UU. que obtuvo fama mundial, por dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York y por sus Conciertos para jóvenes en la televisión de los años 60.

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Pierre Boulez (nacido en 1925)

El compositor francés, a sus casi 90 años, es una leyenda viva de la música. Todavía se le puede ver dirigiendo orquestas con regularidad y es feroz en su compromiso de educar a artistas más jóvenes y de empujar continuamente los límites de su propia música.

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Philip Glass (nacido en 1937)

El compositor más imitado en el mundo es también uno de los más inteligentes y más curiosos. Un compositor supuestamente ‘minimalista’, su producción es decididamente maximalista, pues ha compuesto unas 30 óperas; 10 sinfonías; música de cámara; conciertos para violín, piano, timbales y saxofones; y muchas bandas sonoras de películas premiadas como The Hours, The Thin Blue Line y The Truman Show. Glass ha colaborado con todo tipo de artistas, desde Paul Simon a Yo-Yo Ma, Woody Allen o David Bowie y sus llamadas a oyentes de todas las generaciones y procedencias han ayudado a salvar la brecha entre mundos musicales que a menudo parecen desconectados.

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