15 beneficios que proporciona escuchar música clásica

Beneficios de escuchar música clásicaYa hemos repasado en nuestro blog los beneficios de la música en los niños e incluso cómo afecta la música a tu cerebro, a través de la infografía ‘La psicología de la música’. Y es que, a la música en general, y sobre todo a la música clásica, siempre se le han otorgado muy diversos tipos de beneficios. Entre otras cosas, se dice que sirve para reducir el estrés, mejorar el ánimo o que incluso afecta de forma positiva a plantas y animales. Aquí repasaremos algunos de los beneficios demostrados que posee escuchar música clásica: Sigue leyendo

“Tipos de interés: Ramon Gener”, por Javier Atance

Ramon GenerLlevaba tres años, entusiasmando a sus seguidores en la televisión catalana con el programa “Òpera en texans” el barítono, alumno de María Victoria de los Ángeles y divulgador musical, Ramon Gener, pero ha sido cuando TVE en un nuevo programa en la 2 a las once de la noche los domingos, con el título de “This is Opera”, este personaje catalán nos ha enganchado a todos haciéndonos comprender que una obra musical, aunque tenga apariencia de elitista y dura de comprender como la Ópera, al igual que un buen poema, puede ser desvelada, puede ser embellecida con palabras y envolverla en imágenes que nos impacten con el fin de hacerla más comprensible, más cautivadora y más deseada. Sigue leyendo

10 beneficios de la música en los niños

10 beneficios de la música en los niños 3A la música, y sobre todo a la música clásica, siempre se le han otorgado muy diversos tipos de beneficios. Entre otras cosas, se dice que sirve para reducir el estrés, mejorar el ánimo o que incluso afecta de forma positiva a plantas y animales. Pues además de todo eso, también se han recogido multitud de beneficios para los niños, representando una gran importancia en su desarrollo intelectual, auditivo, sensorial, del habla y motriz.

Las investigaciones que se han referido al efecto de la música sobre el cerebro infantil, coinciden en que ésta provoca una activación de las zonas implicadas en el procesamiento espacio-temporal. Sigue leyendo

Los 12 mejores lugares para escuchar música clásica en España

Teatro Real Madrid

Teatro Real, Madrid

Hace varios días os recomendábamos algunos de los lugares más emblemáticos de toda Europa para disfrutar de la música clásica en directo. Hoy destacamos algunos de los mejores lugares para escuchar música clásica en España, lo que no significa que se trate de los únicos espacios en los que es posible escuchar música clásica de calidad.

Listado de los mejores lugares para escuchar música clásica en España

Sigue leyendo

Los mejores lugares para escuchar música clásica en Europa

Musikverein - Viena, Austria

Europa es la cuna de la música clásica y, como tal, alberga algunos de los mejores lugares para escuchar música clásica en directo y disfrutar de las obras más famosas de la historia. La mayoría son recintos con varios siglos de antigüedad a sus espaldas, que constituyen un importante reclamo turístico para sus países y un incuantificable legado cultural para toda la humanidad.

Proponemos este recorrido conscientes de que no están todos los lugares que deberían porque esto es solo una aproximación a algunos de los lugares más emblemáticos para escuchar música clásica, por lo que próximamente nos acercaremos a otros lugares en España y en el resto del mundo.

Listado de los mejores lugares para escuchar música clásica en Europa

Sigue leyendo

2Cellos, el dúo de violonchelistas que arrasa en Internet con una versión de AC/DC

VIOLONCHELISTASLa pregunta que se hacen muchos profesores de música es cómo conectar con los más jóvenes, en principio más interesados por estrellas del pop actual, para transmitirles su pasión por otros tipos de música.

Hay que subrayar además que no hay incompatibilidad entre ambas fórmulas y hoy lo vamos a demostrar con un vídeo que puede serviros como recurso docente para despertar el interés por aprender a tocar instrumentos a los más jóvenes. Sigue leyendo

¿Quiénes han sido los 10 mejores compositores del siglo XX?

460658157

Los últimos 100 años de la Historia de la Música han sido turbulentos y fascinantes y esta semana nos preguntamos qué compositores hicieron las mayores contribuciones a la música del último siglo. BBC ha propuesto una lista de los 10 mejores compositores del s. XX, pero dejando claro que se trata de un ejercicio de subjetividad que puede provocar indignación ante algunas ausencias como podrían ser las de Elgar y Sibelius, Bartók yJanáček, Vaughan Williams, John Williams, Ravel, Xenakis, los gigantes posmodernos Peter Maxwell Davies y Harrison Birtwistle, o también Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen, Ligeti, Berio, Lutosławski, Steve Reich, John Adams o Elliot Carter y otros que seguramente vengan a vuestra mente. Recuperamos su repaso:

Arnold Schoenberg (1874-1951)

“Sería inconcebible”, dijo Schoenberg, “atacar a los héroes que hacen vuelos audaces sobre el océano o al Polo Norte, puesto que su logro es evidente para todos. Pero aunque la experiencia ha demostrado que muchos pioneros pisaron su camino [con] certeza absoluta en un momento en el que todavía se les tomaba por locos, la mayoría de la gente siempre se vuelve contra los que marchan hacia regiones desconocidas del espíritu … La nueva música nunca es bella al primer contacto”.

Schoenberg se hundió sin miedo -y a menudo muy bien- en lo desconocido, rompiendo las reglas aparentemente inquebrantables de la tonalidad occidental que había prevalecido durante siglos y alterando el curso de la música clásica para siempre.

Más información en Wikipedia

Igor Stravinsky (1882-1971)

La brillantez de Stravinsky tuvo un impacto sísmico en el resto del siglo. No sólo en la música clásica sino también en el jazz, el rock, la literatura modernista, la pintura e incluso el cine. Sin Stravinsky, como señala el crítico musical de The New Yorker, Alex Ross, ¿qué habría sido de los dinosaurios de Fantasía de Walt Disney? Por suerte, nunca lo necesitaremos averiguar.

Más información en Wikipedia

George Gershwin (1898-1937)

Gerschwin fue profeta en la era del jazz, cuya Rhapsody in Blue (1924) desestabiliizó las categorías estéticas y ofreció a los oyentes una muestra de lo que estaba por venir, y su controvertida ópera Porgy & Bess en 1935 llegó para definir una época. Pero Gershwin fue atrapado en el fuego cruzado entre “los que ven la cultura de masas como la expresión más válida de nuestro tiempo, y aquellos que lo ven como el fin de la civilización occidental”. Muchos de sus compañeros compositores fueron críticos feroces con el populismo de Gershwin. Pero un público entusiasta, sordos a tales debates meticulosos, lo escucharon a través de los innumerables cambios en gusto y modas.

Más información en Wikipedia

Duke Ellington (1899-1974)

Ellington fue el compositor más prolífico del siglo. Un espectacular innovador que escribió música para todo tipo de entornos, desde el salón de baile a las discotecas, salas de comedia, películas, salas de conciertos o catedrales. La esencia de su genio reside en su extraña habilidad de sintetizar elementos aparentemente dispares de música, incluyendo música de ritmo sincopado, canciones populares, el blues, y los sonidos de todo tipo, desde Tin Pan Alley a la tradición de la música europea. Siempre directamente expresivo y engañosamente simple, sus letras blues exploraron diversas formas, armonías y melodías; rompió corazones con las últimas baladas románticas; y proporcionó temas para los más grandes cantantes de jazz de la época; y, por supuesto, swing.

Más información en Wikipedia

Dmitri Shostakovich (1906-1975)

Perseguido por Stalin y declarado “enemigo del pueblo” en 1936, habiendo sido previamente el chico de oro de la escena de la música soviética, Shostakovich es una figura que se ha apoderado de la imaginación del público, tanto por razones políticas como musicales. Obligado a mantener a las autoridades felices con su escritura sinfónica – por lo menos hasta la muerte de Stalin – fueron sus obras más pequeñas, como sus sorprendentes quince cuartetos para cuerda, las que más destacaron. Alex Ross señaló “Shostakovich es un maestro de la manipulación del estado de ánimo”.

Más información en Wikipedia

John Cage (1912-1992)

Cage, de acuerdo con su colega pionero y compositor Morton Feldman, fue el primer compositor en la historia de la música “que se planteó la cuestión de manera implícita que tal vez la música podría ser una forma de arte en lugar de una forma de música”. Pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales, Cage fue una de las figuras principales del avant garde de posguerra. Los críticos le han aplaudido como uno de los compositores estadounidenses más influyentes del siglo XX. Fue decisivo en el desarrollo de la danza moderna, principalmente a través de su asociación con el coreógrafo Merce Cunningham.

Más información en Wikipedia

Benjamin Britten (1913-1976)

Musicalmente hablando, Britten era más conservador que muchos de los otros titanes del siglo, pero su influencia y visión es inestimable, sobre todo en el campo de la ópera. El emblemático Peter Grimes (1945) lo define radicalmente como un antihéroe digno de ser amado, y como un viaje musical impresionante a los rincones más oscuros de la psicología individual y grupal. La convicción de que la ópera de Britten era necesaria más allá de lujo teatros metropolitanas llevó a la aparición de la música de cámara o la ópera ‘de bolsillo’, que continúa transformando hasta la fecha esta forma de arte.

Más información en Wikipedia

Leonard Bernstein (1918-1990)

Bernstein fue un populista, quería compartir la música que amaba y como compositor, director, locutor, escritor y educador, trató de hacerla accesible al mayor público posible. Creció oyendo todo, sin hacer distinción entre ‘alto’ y ‘bajo’ arte, y su música evidencia   una absoluta falta de pretensiones, encontrándonos destacadas composiciones como  West Side Story (1961), Candide y Un día en Nueva York (1949). Este compositor, pianista y director de orquesta estadounidense fue el primer director de orquesta nacido en los EE.UU. que obtuvo fama mundial, por dirigir la Orquesta Filarmónica de Nueva York y por sus Conciertos para jóvenes en la televisión de los años 60.

Más información en Wikipedia

Pierre Boulez (nacido en 1925)

El compositor francés, a sus casi 90 años, es una leyenda viva de la música. Todavía se le puede ver dirigiendo orquestas con regularidad y es feroz en su compromiso de educar a artistas más jóvenes y de empujar continuamente los límites de su propia música.

Más información en Wikipedia

Philip Glass (nacido en 1937)

El compositor más imitado en el mundo es también uno de los más inteligentes y más curiosos. Un compositor supuestamente ‘minimalista’, su producción es decididamente maximalista, pues ha compuesto unas 30 óperas; 10 sinfonías; música de cámara; conciertos para violín, piano, timbales y saxofones; y muchas bandas sonoras de películas premiadas como The Hours, The Thin Blue Line y The Truman Show. Glass ha colaborado con todo tipo de artistas, desde Paul Simon a Yo-Yo Ma, Woody Allen o David Bowie y sus llamadas a oyentes de todas las generaciones y procedencias han ayudado a salvar la brecha entre mundos musicales que a menudo parecen desconectados.

Más información en Wikipedia

453571173

Rapsodias: el folclore convertido en música clásica

rapsodiaLa rapsodia toma su nombre de los rapshodes, cantantes de la antigua Grecia que iban de un lado para otro recitando poemas épicos. Son composiciones instrumentales o sinfónicas, de esencia romántica, estilo y formas libres, muy similares a las fantasías, pero que se apoyan en temas propios de un país o una determinada región.

Su origen se remonta a los primeros años del siglo XIX, al abrigo de los movimientos nacionalistas que se desataron en Europa. Una de sus principales repercusiones fue la ampliación del lenguaje musical, al incluir un elevado número de elementos folclóricos. Al parecer, la primera canción de este género fue obra del checo VenceslasTomasek.

Desde su nacimiento, esta forma musical ha sido integrada en un sinfín de obras, incluidas las Rapsodias eslavas de Dvorak, la Rapsodia noruega de Lalo, la Rapsodia sobre un tema de Paganini de Rachmaninov, las Rapsodias para violín de BelaBartok o la Rapsodia española de Ravel. La lista, en cualquier caso, es prácticamente interminable.

Para profundizar en la rapsodia con los alumnos en clase, conviene tomar como referencia las famosas Rapsodias húngaras para piano de Franz Liszt, compuestas en 1840 y 1885 (en total, son cerca de 20 obras). Estas composiciones están basadas en el estilo cíngaro, del que toman sus ritmos y su gusto por la ornamentación.

Más reciente es la Rhapsody in Blue para piano y orquesta de George Gershwin, compuesta en 1924 y formada por cuatro temas principales. En este caso, la combinación de una parte de piano con otras de carácter sinfónico da como resultado una increíble sucesión de instrumentos, encabezada por el clarinete y continuada trompeta, el piano y los violines. Y todo ello, con numerosas referencias al jazz y el blues.

Desde Pearson recomendamos combinar nuestros métodos educativos con divertidos recursos para el aula, como los que os mostramos cada semana en el blog de Red Música Maestr@, para que hagan más atractiva la enseñanza y faciliten despertar el amor por la música entre los más jóvenes.

Intérpretes: las estrellas de la música clásica

Maria_Callas_La_Traviata_2Las ideas son muy importantes, pero de poco sirven si no hay nadie capaz de llevarlas a cabo o de ejecutarlas correctamente. Con la música ocurre exactamente lo mismo: las composiciones de los grandes clásicos no serían lo mismo si no las escucháramos a través de unos intérpretes dignos de su categoría.

Al contrario sucede algo muy parecido: merece la pena deleitarse con los grandes artistas, que son mucho más que simples músicos y que tienen la capacidad de convertir una obra menor en una experiencia inolvidable… Y esencial en la formación del gusto artístico de los alumnos.

Aunque suele advertirse del peligro de la idolatría, resulta muy recomendable hacer ver a los jóvenes que también en el mundo de la música clásica existen grandes estrellas, mucho menos mediáticas que las del pop o el rock, pero seguramente más talentosas.

En YouTube podemos encontrar numerosos ejemplos, de intérpretes tan destacados como Glenn Gould, Leonard Bernstein, Maria Callas, Pau Casals o MaurizioPollini. Son, en todos los casos, grandes músicos que han destacado por su gran personalidad, como más recientemente ha sucedido con la pianista francesa HélèneGrimaud, el trompetista americano WyntonMarsalis o el pianista chino LangLang.

Lo ideal sería conseguir que los estudiantes pudieran disfrutar de estos grandes artistas en directo, cosa que, desgraciadamente, no resulta sencillo. Por este motivo, también hay que animarles a asistir a conciertos más modestos, de músicos poco conocidos pero con un entusiasmo capaz de proporcionarnos una experiencia inigualable.

Desde Pearson recomendamos combinar nuestros métodos educativos con divertidos recursos para el aula, como los que os mostramos cada semana en el blog de Red Música Maestr@, para que hagan más atractiva la enseñanza y faciliten despertar el amor por la música entre los más jóvenes.

Formas de acercarse a la música clásica: oír, ver y bailar

En semanas anteriores os hemos hablado de algunas de las muchas fórmulas educativas que tienen como objetivo despertar el amor de los alumnos por la música clásica. Hoy os proponemos nuevos métodos que apuntan en la misma dirección: desde ver y escuchar composiciones musicales destinadas al público infantil y juvenil, hasta bailarlas.

Conviene recordar que algunos de los más grandes músicos de la historia crearon temas dirigidos exclusivamente a los más pequeños, como Sergéi Prokófiev y su célebre sinfonía Pedro y el Lobo. En YouTube encontrarás un buen número de versiones de esta canción, incluidas las que vienen acompañadas de dibujos animados que recrean la divertida historia ideada por el genial compositor ruso.

Otro buen ejemplo es Bastián y Bastiana, una ópera que Wolfgang Amadeus Mozart compuso cuando apenas tenía 12 años y que rezuma calidad melódica, frescura y humor a partes iguales. En este caso también puedes acudir a YouTube para encontrar diferentes representaciones de la obra, siendo las más idóneas para despertar el interés de tus alumnos las protagonizadas por adolescentes, como esta adaptación en valenciano de Vicent Vila.

Al margen de las obras de los grandes compositores, siempre queda la alternativa de recurrir a las composiciones musicales de corte didáctico cuyo éxito haya sido capaz de superar el paso de las décadas. Tal vez el mejor ejemplo de ello sea la serie Piccolo, Saxo y compañía, que repasa la formación de una orquesta con las diferentes familias de instrumentos como principales protagonistas.

Si la vista y el oído son esenciales para que los chavales descubran a los grandes clásicos, igual de importante es el baile, tal vez la mejor forma de familiarizarse con la música. Conviene aprovechar la pasión de los más pequeños por danzar para animarles a moverlas caderas al ritmo de sonidos que vayan más allá del tecno, el pop o el rap.

Existen muchas composiciones de música clásica ideales para el baile. Un claro ejemplo lo encontramos en la ópera Carmen de Georges Bizet, concretamente en la pieza El amor es un pájaro rebelde,  también conocida como La habanera. Aunque para quemar energía, nada mejor que la parte final de la Sinfonía del Nuevo Mundo, de Antonín Dvořák. Si alguno de tus alumnos se resiste a bailar con esta melodía, será difícil que Shakira o David Guetta lo consigan.

Desde Pearson recomendamos combinar nuestros métodos educativos con divertidos recursos para el aula, como los que os mostramos cada semana en el blog de Red Música Maestr@, para que hagan más atractiva la enseñanza y faciliten despertar el amor por la música entre los más jóvenes.